“Hero” é o nome de um retrato feito com mais de 3.2 milhões de pontos de tinta. Criado, filmado, produzido e editado por Miguel Endara.

Inquérito ao autor desta obra (Miguel Endara):

Como conseguiu contar todos os pontos?
O número de pontos é uma aproximação, e não um número exato. Mas é uma aproximação muito muito perto. Eu filmei-me em quase todos os momentos do meu desenho e tem uma média de 4,25 pontos por segundo. O que se traduziu em 3.213 mil pontos que é oque dá multiplicando por 210 horas, que é o que eu demorei para fazer o desenho inteiro. Como sei que pode não ser exatamente preciso arredondei o número para 3,2 milhões.

Quanto tempo demorou?
Foram exatamente 210 horas de pontilhado, mas levou quase um ano inteiro para completar do início ao fim.

Quantas canetas usou?
Apenas uma! Eu tinha muitas canetas como backup, mas nunca tive que usar qualquer uma delas.

Qual câmera e software usou?
Todos os disparos foram feitos com a Canon EOS Rebel T1i (18-55 mm lente padrão), e editados/renderizados no After Effects CS4.

Esta peça é para venda?
O original de “Hero” não está à venda, mas as impressões de edição limitada serão muito em breve. Pode descobrir mais informações em miguelendara.com / prints

Possui mais arte?
Sim. Mas não muitos. Porque pontilhado é um processo extremamente caro em tempo, eu não tenho uma grande coleção de obras de arte.

Da pintura à escultura, passando pelas ilustrações, Júlio Pomar foi consagrado há muito como um dos nomes maiores da arte europeia. Principal cultor do Neo-Realismo na pintura portuguesa, de 1945 a 1957. Após cerca de 60 anos dedicados às artes plásticas, Júlio Pomar continua a dominar a técnica de forma admirável, criando quadros com pinceladas vibrantes, feitos de movimento e traços largos, que nos remetem para o lado lúdico da vida, numa versatilidade que impressiona – desde os auto-retratos, passando pela paisagem humana que o cercou, desde as manifestações de ordem social ou política até ao espectáculo das touradas, das corridas de cavalos ou do rugby, desde os bichos de companhia, tigres e macacos ou as fábulas e desconstrução dos mitos, o eixo central de toda esta produção é o Eros. De frisar ainda que os seus desenhos são parte fundamental da sua obra. Sem dúvida um artista que vai marcar a história da arte portuguesa.

Esta colecção composta por três objectos de classe, sendo dois deles de edição limitada. O primeiro: “The Chiller”, protege a preciosa garrafa de 75cl de Johnnie Walker Blue Label. O segundo, ao qual chamaram “the cube”, apresenta e expõe a garrafa de 75cl de Johnnie Walker Blue Label, juntamente com quatro copos de cristal e, em aço inoxidável escovado as palavras ‘Man Striding’ nas pinças para o gelo. Existe também uma versão iluminada, para espaços de prestígio, hotéis e restaurantes.

Existe ainda uma versão mais leve para viagem. Esta versão “Muni Cube” engloba apenas uma garrafa de 75cl de Johnnie Walker Blue Label, dois copos de cristal e e a pinça em aço inoxidável escovado, igualmente com as palavras ‘Striding Man’ gravadas.

A Cosfibel foi a empresa seleccionada, pois possui uma larga experiência em embalagens de luxo com diferentes tipos de materiais. Neste caso, a embalagem contêm detalhes minuciosos, como por exemplo a costura em couro que percorre toda a extensão das embalagens. Já a  Porsche Design Studio colaborou na criação de requinte, como por exemplo o pormenor do alto-relevo, uma placa de metal escovado simples que apresenta o logótipo do estúdio. O design simples e moderno, em certo aspecto futurista, é reforçado pela tampa de aço inoxidável micro-escovado e monograma JWS.

colecção de luxo johnnie walker blue label

Os economicamente mais afortunados desta vida, podem ainda adquirir um dos dezoito (apenas 18 unidades) bares criados em exclusivo para esta colecção. O bar tem 2.20 metros, por 66 x 66 centímetros. Por isso, se tiver lá em casa um cantinho aproveite, lembre-se que só existem dezoito unidades…

Uma das dezoito unidades

O bar contempla duas garrafas Johnnie Walker Blue Label 75 cl., uma magnum de 1,5 litros, oito copos de cristal, dos quais cinco estão ao lado de uma jarra (como pode ver na imagem) e um balde de gelo em cristal num compartimento refrigerado. O mais complicado de tudo isto é apenas o valor do mesmo, que rondará qualquer coisa como 113 mil e 600 Euros, mas… talvez como forma de justificar esse valor, posso ainda acrescentar que o bar tem um sistema de abertura automático que é controlado através da detecção sensorial. Este sistema foi desenvolvido pela Deutsche Werkstätten Hellerau GmbH (DWH), especialista em armamento para iates de luxo.

Vasconcelos nasceu em Paris em 1971 mas estudou, vive e trabalha em Lisboa. Formou-se no Ar.Co – Centro de Arte e Comunicação Visual, em Lisboa, entre 1989 e 1996.  Em 2000 venceu o prémio EDP Novos Artistas e em 2006 o prémio “The Winner Takes It All”. Expõe, regularmente, em Portugal e no estrangeiro, desde meados da década de 1990.

As suas peças são já bastante conhecidas, mas vale a pena recordar as mais emblemáticas: “Noiva” é um enorme candelabro composto de tampões OB; as peças “Coração Independente” são réplicas enormes das famosas jóias de Viana do Castelo, compostas por talheres de plástico moldados; “Cinderela” é um sapato gigante composto por panelas; “Contaminação” é um emaranhado de trapos com cores berrantes que se estende em vários metros de comprimento. Famosas são também as suas figuras de porcelana, normalmente religiosas e totalmente cobertas por croché. Com um percurso nacional e internacional impressionante as suas obras resultam da apropriação e subversão de objectos do quotidiano e da tradição portuguesa. Trabalha frequentemente com esculturas e instalações em materiais variados, principalmente tramas (crochet, tricot, tecidos).
É claro pela sua já recheada obra, que Joana Vasconcelos usa referências culturais, objectos quotidianos e materiais e técnicas populares. Cruzando tradição e modernidade, é das poucas artistas que conseguiu o difícil equilíbrio desta dicotomia mantendo-se fiel à essência do “ser português” e procurando na História e nos costumes lusitanos um complemento para o seu trabalho. Definitivamente, uma artista cujo percurso merece ser seguido.

Pintor e crítico de arte, Victor Willing (1928, Alexandria-1988, Londres) tornou-se um dos mais essenciais críticos da obra de Paula Rego, produzindo várias vezes leituras fundamentais do seu trabalho. De facto, muitas das obras da artista contam com referências explícitas ou implícitas a “Vic”, salientando-se os trabalhos de meados dos anos 80, durante a fase terminal da esclerose múltipla que acabou por vitimá-lo.

Dividindo o seu tempo entre Portugal e Londres ao longo dos anos 60, Paula Rego instala-se definitivamente nesta cidade a partir de 1976, não obstante visitas e regressos a Portugal e, sobretudo, à sua casa de família na Ericeira. Esta irá inclusivamente figurar em muita da sua produção artística, como diversas memórias e traços de um imaginário evocativo de uma certa “cultura portuguesa”, associada à sua infância, e que encontra alguma correspondência em Lila Nunes, de origem portuguesa e antiga enfermeira de Vic, modelo privilegiado de Paula Rego desde 1988.

O reconhecimento de Paula Rego acontece desde bastante cedo, mas será sobretudo a partir dos anos 90, aos 50 anos de idade, que se tornará um nome incontornável, não só no panorama artístico português ou inglês, mas também no plano internacional. A artista foi inúmeras vezes convidada a produzir obras para galerias e exposições específicas, não raramente em diálogo com as suas colecções, tornando-se, em 1990, Primeira Artista Associada da National Gallery, em Londres. Com um imaginário prodigioso e num percurso que explora técnicas e linguagens diversas, apresentando, ainda assim, uma coerência surpreendente, Paula Rego conta com inúmeras exposições individuais e retrospectivas em museus e galerias de renome, e com inúmeros prémios e distinções. Actualmente, trabalha e reside em Londres, sendo representada pela Marlborough Fine Arts.

A ADAGP encomendou a Pierre-Emmanuel Lyet um pequeno filme que explica o que é o direito de revenda. Esta animação realizada por Pierre-Emmanuel Lyet, teve Joris Clerté a gerir toda a parte artística. O cenário, esse é uma criação de Anne Jaffrenou.

O que me atraiu nesta animação foi, é, o simples facto de ela própria ser uma peça de arte. Toda a animação tem por base alguns caracteres do dicionário ocidental, o que transmitiu ao todo o projecto uma qualidade e uma projecção intemporal. Porém, imensos criativos, que se dizem designer e coisas assim, continuam a não conseguir incluir um tipo de letra nos seus trabalhos sem que os mesmos pareçam que caíram lá… assim do nada. É algo que me entristece, ver no dia a dia cartazes, jornais, revistas, convites… enfim uma infinidade de projetos que poderiam ser algo interessante e o não são, simplesmente porque alguém atirou para lá um tipo de letra e esqueceu-se de o fazer interagir com o ambiente. Será assim tão difícil? Julgo que não, mas vejam o vídeo e digam de vossa justiça.

Em muitos trabalhos, a maior dificuldade é colocar o texto. Mas não tem de ser assim! O texto deve fazer parte do desenho, deve-se conjugar com o trabalho. Veja, por exemplo, posts que já fizemos anteriormente, que expicam isto mesmo: Tipos de letra são arte, Tipos de letra são vectores e Tipos de Letra…são arte!.

Consegue-se fazer trabalhos lindissimos se se brincar um pouquinho com as letras. Vejam por exemplo esta colectânea que aqui vos deixo!

fonte: youthedesigner

Fonte: wikipédia

Sendo assim, a obra de arte tem como finalidade provocar emoções / reacções nas pessoas, sejam elas positivas ou negativas. Pois bem, para quem gosta de arte e de conhecer trabalhos diferentes e inovadores anunciamos aqui um evento que se realiza a nível Mundial e que tem por nome PechaKucha.

Trata-se de um formato de apresentação público em que o conteúdo é informalmente mostrado, o apresentador só pode apresentar vinte imagens de vinte segundos cada, dando origem a uma apresentação de seis minutos e quarenta segundos. O objectivo deste evento é oferecer um local de encontro em que as pessoas possam apresentar o seu trabalho, acabando por promovê-lo. Uma óptima maneira para partilhar ideias, paixões e para abrir horizontes também.

Fonte: Pecha Kucha

Se as embalagens não fossem tão atractivas, as pessoas não compravam o produto e acabava por sair do mercado.

Na minha perspectiva se eu  fosse comprar um perfume, escolhia o que me atraísse mais e o cheiro claro. 

Fonte: Google

Para comemorar o 35º aniversario desta iniciativa, esta patente no Bmw Museum até setembro deste ano a exposição Bmw art cars, que conseguiu juntar 15 das 17 unidades.

Fontes:  Bmwdrives.com

É Património espalhado um pouco por todo o país e pelas antigas partes do Império Português, entre o Brasil, as Áfricas e até a Índia, mas também pelo que representou no passado e ainda na actualidade, da inteligência prática e da sensibilidade dos portugueses.

Trata-se de um material que até pode ser convencionalmente entendido como pobre, mas adoçado às obras de arquitectura, é um meio de qualificação estética de espaços interiores e exteriores, quer em edifícios, quer em espaços urbanos. Usado em grandes paineis, como material de revestimento ou usado em pequenos apontamentos ou paineis ornamentais, ajudam a criar cenários e ambientes, particularmente nas igrejas barrocas em Portugal, chegando  a simular uma espécie de janelas abertas para outras realidades.

O Azulejo em Portugal reúne em si varias expressões e ao longo dos anos foi-se reajustando, mediante as épocas atravessadas. Reflectiu a tradição Islâmica no século XVI com os “azulejos de corda seca”, passando pelo monumental período Barroco, com toda a riqueza de formas e decoração. Aqui se criam cenários da vida dos santos quase como se estivessemos a assistir a uma banda desenhada. Passa ainda pelo período Pombalino da reconstrução da cidade de Lisboa após o terramoto de 1755, em azulejos simples, mas com um elevado sentido decorativo, continuando depois a evolução ao longo dos anos, até à quase reinvenção dos azulejos, desenhados por grandes arquitectos da actualidade.

Museu Nacional do Azulejo

Instituto de Camões

Recebeu um bacharelato em Design Industrial em 1982 da Universidade de Carleton, em Ottawa, Canadá. Continuou os seus estudos de pós-graduação em Design em Napoles, na Itália, com Ettore Sottsass e outros. Possui doutoramento honorário da universidade de arte e design de Ontário e faculdade de arte e design Corcoran.

Karim Rashid criou mais de 3.000 projetos desde interiores, moda, mobiliário, iluminação, arte, arquitetura e música, para além de se dedicar à escrita. Ganhou mais de 300 prémios e trabalhou em mais de 35 países.

As suas criações, de forma geral, priorizam o convívio humano e a mentalidade do século XXI. Tenta sempre a facilidade do dia-a-dia das pessoas.

Na minha opinião, este Designer é realmente muito criativo para além de fazer várias coisas, as cores que usa são atrativas e gosto pessoalmente quando ele usa o rosa e o branco, é mesmo uma pessoa muito ocupada mas realizada pelos trabalhos que faz. Gosto muito dos seus projetos pois são bastantes criativos, dinâmicos e contemporâneos.

Fonte: Karim Rashid | Wikipedia

Recorrendo a uma técnica pouco convencional, os pintores Xia Xiaowan e David Spings apresentam um conjunto de trabalhos que conseguem simular o efeito de 3D nas suas pinturas sem que o observador tenha de recorrer a óculos 3D. Para tal, utiliza uma série de folhas de vidro pintadas individualmente, como se partisse em fatias o objecto, representando e modificando apenas o essencial. Desta forma, juntas todas as camadas, uma atrás da outra, cria uma ilusão de óptica de uma pintura em 3D.

As folhas de vidro são encaixadas numa base, dando origem a um volume de vidro que encerra no seu interior uma pintura que pode ser vista em torno de todo o volume.

Pode-se dizer que a pintura ganhou uma nova dimensão: 3D

Fonte: visualnews