A fonte é baseada numa tipografia mais antiga chamada Akzidenz Grotesk, criada em 1898. A Helvética, originalmente chamada de Haas Grotesk, é uma fonte sem serifa, bastante limpa e um dos princípios do seu projecto foi a máxima legibilidade. A fonte tornou-se bastante popular na década de 1960, sendo utilizada em praticamente qualquer aplicação, a expressão “Se não souber o que usar, use Helvetica”, tornou-se famosa. Em 1983, a empresa Linotype lançou a Neue Helvetica (nome alemão para “Nova Helvética”), um redesenho otimizado desta fonte.

O nome desta fonte surgiu da ideia inicial que a fonte se chamasse Helvetia (nome da Suíça em latim). Entretanto, consideraram muita pretensão batizar uma fonte com o nome de uma nação. Dessa forma resolveram alterar o nome para Helvetica (de Confederatio Helvetica) para que tivesse um alcance maior no marketing internacional. Entre as empresas mais famosas que usam Helvetica nas suas marcas incluem a 3M, American Airlines, a rede de jornalismo BBC News, Boeing, Jeep, linhas aéreas Lufthansa, Microsoft, Panasonic e muitas outras. A fonte está até impressa nos ônibus espacial da NASA, além de ter seu próprio filme. Helvética é considerada a fonte mais famosa de sempre.

Alessandro Benetton, vice-presidente executivo do Benetton Group, afirmou «Se o amor global continua a ser uma utopia ainda que compartilhável, o convite a ‘não odiar’, a opor-se contra a ‘cultura do ódio’, representa um objectivo ambicioso, mas realista.»

Incrível como cenários completamente normais do nosso quotidiano podem dar origem a elementos tipográficos. Caso para dizer, a inspiração está em todo o lado.

Fonte: fubiz

Da pintura à escultura, passando pelas ilustrações, Júlio Pomar foi consagrado há muito como um dos nomes maiores da arte europeia. Principal cultor do Neo-Realismo na pintura portuguesa, de 1945 a 1957. Após cerca de 60 anos dedicados às artes plásticas, Júlio Pomar continua a dominar a técnica de forma admirável, criando quadros com pinceladas vibrantes, feitos de movimento e traços largos, que nos remetem para o lado lúdico da vida, numa versatilidade que impressiona – desde os auto-retratos, passando pela paisagem humana que o cercou, desde as manifestações de ordem social ou política até ao espectáculo das touradas, das corridas de cavalos ou do rugby, desde os bichos de companhia, tigres e macacos ou as fábulas e desconstrução dos mitos, o eixo central de toda esta produção é o Eros. De frisar ainda que os seus desenhos são parte fundamental da sua obra. Sem dúvida um artista que vai marcar a história da arte portuguesa.

A imagem publicitária de um homem a fazer andar à roda uma roda presa pelos seus dentes, só possível graças à Pasta Medicinal Couto, ficou gravada nas recordações de todos os Portugueses. Alberto Ferreira Couto e mais uma amigo seu dentista, nas década de 30, quiseram desenvolver um produto que prevenisse as infecções gengivais. Assim, após várias experiências, a 13 de Junho de 1932, criaram no Porto a primeira fórmula da Pasta. Teve sucesso imediato e ainda hoje é sinónimo de qualidade. Passados vários anos desde a sua criação, ainda hoje é produzida de forma semi-artesanal, sem recurso a ingredientes de origem animal, mantém o design e a famosa embalagem retro original e continua a ser recomendada para limpeza diária dos dentes e da boca.

Fez a sua primeira aparição pública em 1944 na I Exposição dos Independentes. Em 1948 partiu para Paris, recebendo formação de Duco de la Haix e de Otto Friez. O trabalho produzido em terras gaulesas é exposto em Portugal em 1949 e as propostas actualizadas que Resende demonstra são acusadas pelos artistas portugueses, definindo a sua vocação de expressionista. Assimilou algum cubismo, vai construir na sua fase alentejana, e mais tarde no Porto, uma pintura caracterizada pela plasticidade e dinâmica, de malhas triangulares ou quadrangulares, aproximando-se de forma progressiva da não figuração. Do geometrismo ao não figurativismo, do gestualismo ao neofigurativo, a sua arte desenvolve-se numa encruzilhada de pesquisas, cuja dominante será sempre expressionista e lírica. Pintor de transição entre o figurativo e o abstracto, Resende distingue-se também como professor , trazendo à escola do Porto um novo espírito aos alunos que a frequentaram na década de 1960.
A obra pictórica de Júlio Resende revela que ele compreendeu a pintura europeia, porque a observou, experimentou e soube transmitir aos pintores e aos alunos que ele formou na Escola Superior de Belas-Artes do Porto. Cavaco Silva referiu-se a ele como “grande Mestre da Arte Portuguesa do último século”.
Morreu no dia 21 de Setembro de 2011 aos 93 anos.

Actualmente existe a Fundação Júlio Resende que fica próxima do Porto, mais concretamente em Valbom – Gondomar, é uma instituição privada de utilidade pública. Conta com um vasto espólio que reúne mais de dois mil desenhos que Júlio Resende, Mestre da pintura expressionista, reuniu ao longo da sua carreira de artista. Neste lugar, para além da exposição permanente do artista, são promovidas várias exposições temporárias, concertos, conferências, seminários, cursos ou workshops.

A cor adquire um papel simbólico para a identidade da marca. Temos o exemplo clássico da cor da Coca-Cola que simboliza a vitalidade, a da Kodak a luz, etc. Vamos agora falar de algumas cores e perceber qual poderá ser a sua função emocional-simbólica. O branco e o preto situam-se nos extremos do espectro, por isso, ambos têm um valor limite, mas também neutro (ausência de cor), o que reforça as cores com as quais são combinadas; o cinzento ocupa um lugar intermédio entre o branco e o preto, é um cinzento passivo, neutro e por isso, um factor de equilibrio; o vermelho é a cor do sangue e da paixão, expressa vitalidade, entusiasmo, dinamismo, é exaltante e agressivo; o verde é a cor mais tranquila e sedativa, de uma calma indiferente, pois não transmite alegria, tristeza ou paixão, evoca a vegetação e a  frescura, mas tudo depende do tipo de verde, por exemplo, quando no verde predomina o amarelo, este adquire uma força activa e solarente, quando predomina o azul, torna-se sombrio, mas também mais sofisticado; o azul é o símbolo da profundidade suscita uma predisposição favorável, provoca tranquilidade e uma gravidade solene, quanto mais claro mais indiferente se torna, quanto mais escuro mais atrai até ao infinito; o amarelo é a cor mais luminosa, quente e alegre, é a cor do sol e da luz e, sendo assim, é vital e tonificante; o laranja, mistura de vermelho e amarelo, é menos estridente que esses dois e possui, sem enganos, uma força mais radiante e expansiva, tem um carácter acolhedor, quente, estimulante e uma qualidade dinâmica muito positiva.

Vieira da Silva foi autora de uma série de ilustrações para crianças que constituem uma surpresa no conjunto da sua obra. Kô et Kô, les deux esquimaux, é o título de uma história para crianças inventada por ela em 1933. Não se sentindo capaz de a escrever, a pintora entregou essa tarefa ao seu amigo Pierre Guéguen e assumiu o papel de ilustradora, executando uma série de guaches. A partir de 1948 o Estado Francês começa a adquirir as suas pinturas e em 1956 tanto ela como o marido obtêm a nacionalidade francesa. Em 1960 o Governo Francês atribui-lhe uma primeira condecoração, em 1966 é a primeira mulher a receber o Grand Prix National des Arts e em 1979 torna-se cavaleira da Legião de Honra francesa. Participou na Europália, em 1992, e veio a morrer nesse ano.
Para honrar a memória do casal de pintores, foi fundada em Portugal a Fundação Arpad Szenes-Vieira da Silva, sediada em Lisboa.

Depois de alguns anos fora do mercado, em 1997, um pequeno editor milanês voltou a dar vida ao lendário caderno, atribuíndo-lhe este nome literário e resgatando desta forma uma tradição extraordinária. Seguindo os passos de Chatwin, o caderno Moleskine® inicia uma nova jornada, desta vez como um complemento indispensável à actual tecnologia portátil. O caderno Moleskine® é uma bateria que armazena ideias e sentimentos, liberando a sua energia ao longo do tempo.
Actualmente a marca Moleskine é sinónimo de cultura, viagens, recordações, imaginação e identidade pessoal, tanto na vida quotidiana como no mundo digital.
Os cadernos Moleskine® são parceiros para as profissões criativas e imaginativas do nosso tempo. Representam, em todo o mundo, um símbolo do nomadismo contemporâneo, em estreita ligação com o mundo digital, através de uma rede de sites, blogs, grupos online e arquivos virtuais.

Sendo assim, a designboom lançou um concurso a nível internacional que consiste na criação de um novo logótipo para moleskinerie.com – o blog oficial do Moleskine.  «O logótipo, um pequeno pedaço de arte, é uma tarefa desafiadora para todos os amantes moleskine.(…) estamos procurando as melhores ideias e conceitos, reproduzíveis em qualquer superfície, mas também em outras formas inovadoras e excitantes, como parte de campanhas de promoção internacional (ex: aplicada a gadgets, camisetas e cadernos Moleskine).»

As candidaturas serão aceites até dia 10 de Novembro. Para mais informações visitem o site da Designboom. Parece um bom desafio e fico um pouco curiosa em relação às propostas que irão surgir, porque a tarefa não é assim tão fácil.

Vasconcelos nasceu em Paris em 1971 mas estudou, vive e trabalha em Lisboa. Formou-se no Ar.Co – Centro de Arte e Comunicação Visual, em Lisboa, entre 1989 e 1996.  Em 2000 venceu o prémio EDP Novos Artistas e em 2006 o prémio “The Winner Takes It All”. Expõe, regularmente, em Portugal e no estrangeiro, desde meados da década de 1990.

As suas peças são já bastante conhecidas, mas vale a pena recordar as mais emblemáticas: “Noiva” é um enorme candelabro composto de tampões OB; as peças “Coração Independente” são réplicas enormes das famosas jóias de Viana do Castelo, compostas por talheres de plástico moldados; “Cinderela” é um sapato gigante composto por panelas; “Contaminação” é um emaranhado de trapos com cores berrantes que se estende em vários metros de comprimento. Famosas são também as suas figuras de porcelana, normalmente religiosas e totalmente cobertas por croché. Com um percurso nacional e internacional impressionante as suas obras resultam da apropriação e subversão de objectos do quotidiano e da tradição portuguesa. Trabalha frequentemente com esculturas e instalações em materiais variados, principalmente tramas (crochet, tricot, tecidos).
É claro pela sua já recheada obra, que Joana Vasconcelos usa referências culturais, objectos quotidianos e materiais e técnicas populares. Cruzando tradição e modernidade, é das poucas artistas que conseguiu o difícil equilíbrio desta dicotomia mantendo-se fiel à essência do “ser português” e procurando na História e nos costumes lusitanos um complemento para o seu trabalho. Definitivamente, uma artista cujo percurso merece ser seguido.

Fonte: Fubiz

Pintor e crítico de arte, Victor Willing (1928, Alexandria-1988, Londres) tornou-se um dos mais essenciais críticos da obra de Paula Rego, produzindo várias vezes leituras fundamentais do seu trabalho. De facto, muitas das obras da artista contam com referências explícitas ou implícitas a “Vic”, salientando-se os trabalhos de meados dos anos 80, durante a fase terminal da esclerose múltipla que acabou por vitimá-lo.

Dividindo o seu tempo entre Portugal e Londres ao longo dos anos 60, Paula Rego instala-se definitivamente nesta cidade a partir de 1976, não obstante visitas e regressos a Portugal e, sobretudo, à sua casa de família na Ericeira. Esta irá inclusivamente figurar em muita da sua produção artística, como diversas memórias e traços de um imaginário evocativo de uma certa “cultura portuguesa”, associada à sua infância, e que encontra alguma correspondência em Lila Nunes, de origem portuguesa e antiga enfermeira de Vic, modelo privilegiado de Paula Rego desde 1988.

O reconhecimento de Paula Rego acontece desde bastante cedo, mas será sobretudo a partir dos anos 90, aos 50 anos de idade, que se tornará um nome incontornável, não só no panorama artístico português ou inglês, mas também no plano internacional. A artista foi inúmeras vezes convidada a produzir obras para galerias e exposições específicas, não raramente em diálogo com as suas colecções, tornando-se, em 1990, Primeira Artista Associada da National Gallery, em Londres. Com um imaginário prodigioso e num percurso que explora técnicas e linguagens diversas, apresentando, ainda assim, uma coerência surpreendente, Paula Rego conta com inúmeras exposições individuais e retrospectivas em museus e galerias de renome, e com inúmeros prémios e distinções. Actualmente, trabalha e reside em Londres, sendo representada pela Marlborough Fine Arts.